Amaral & Barthes

Cette série photographique et vidéo propose de revisiter l’histoire de l’art de manière ludique et humoristique, à travers la parodie de quelques artistes qui ont marqué leur temps et dont les œuvres ont souvent fait débat.
A la fois objet trivial du quotidien et simple aliment, l’œuf est utilisé ici de manière systématique et décalée comme élément de citation permettant la mise en lumière des spécificités du langage de chacun des artistes représentés.

Mais l’œuf est aussi le symbole de la vie et de la création. Et dans cette perspective, ces images humoristiques deviennent autant de mises en abyme du processus de création lui-même. Le procédé de substitution systématique du sujet et de simplification outrancière de l’intention artistique, déconstruit les gestes et les démarches de ces différents auteurs et en fin de compte questionne notre conception même de l’Art.

Marina Abramovic

Marina ABRAMOVIC (1946) artiste Monténégrine, légende vivante de la « performance artistique ». Elle étudie et repousse les frontières du potentiel physique et mental à travers ses « happenings ».

Elle reçoit en 1997, le Lion d’or de la meilleure installation à la Biennale de Venise, pour son œuvre « Balkan Baroque » qui dénonce les massacres perpétrés pendant les guerres de Yougoslavie (Balkans entre 1991 et 200).
L’artiste de blanc vêtue est installée sur un tas d’os pendant que sur les murs défilent des vidéos dans une ambiance sonore plongeant le spectateur face à une barbarie guerrière.

Nobuyoshi Araki

Nobuyoshi ARAKI (1940), photographe Japonais, dont le travail de notoriété internationale est sur le mode du journal intime, il a inauguré ainsi un genre de démarche photographique inédit, dont bien des photographes vont s’inspirer telles que Sophie Calle ou Nan Goldin…

Un des sujets de prédilection de l’artiste est l’art du « bondage » érotique; le « Kinbaku-bi » littéralement « la beauté du lien étroit ». Pour l’ensemble de cette œuvre a été qualifié de génie, de poète mais aussi de misogyne, de pornographe et de monstre.

Banksy

BANSKY (19??), pseudonyme d’un artiste britannique dissimulant sa véritable identité. Peintre, réalisateur et artiste du Street art, il utilise ses œuvres pour faire passer des messages mêlant politique, humour et poésie. Il est considéré comme « Artiviste » pour ses œuvres libertaires, anticapitalistes, et antimilitaristes.

En 2018, lors d’une vente aux enchères chez Sotheby’s à Londres, l’œuvre « Girl with Balloon » s’est autodétruite après avoir été adjugée pour 1 200 000 euros. L’artiste a commenté « Going, going, gone… » (adjugée, adjugée, disparue…).

Bernd et Hilla BECHER

Bernd et Hilla BECHER (1931-2007 et 1934-2015), duo de photographes allemands, célèbres pour leurs photographies de bâtiments industriels « les typologies » et qui ont profondément marqué l’histoire de l’art.

Ils reçoivent en 1990, le Lion d’or dans la catégorie sculpture à la Biennale de Venise, pour l’ensemble de leurs œuvres. Ils ont documenté méthodiquement l’architecture des bâtiments industriels des XIXème et XXème siècles en utilisant toujours le même protocole très rigoureux dont l’esthétisme de l’objectivité se rapproche du minimalisme.

Ben

BEN (Ben Vautier) (1935) artiste Français d’origine Suisse, reconnu pour ses performances, installations et écritures, il appartient à l’avant-garde post moderne, au groupe Fluxus et est proche du Lettrisme.

Il acquiert sa notoriété à travers ses « écritures » déclinées sous diverses formes. Il produit un art de l’idée, ses phrases ou mots peuvent être des vérités, des commentaires, des scénarios, des invectives, des constatations…

Joseph Beuys

Joseph BEUYS (1921-1986), artiste Allemand qui a produit un grand nombre de sculptures, performances, vidéos, d’installations dans un ensemble artistique très engagé politiquement.

Le récit de son incorporation dans l’armée Allemande lors de la seconde guerre mondiale constitue le point de départ de la mythologie qui traverse toute son œuvre, il inclut dans ses installations des matériaux qui lui tiennent à cœur depuis son accident d’avion, comme le feutre, notamment dans l’œuvre « infiltration homogen fur Konzerflugel »

Liu Bolin

Liu BOLIN (1973), artiste chinois, artiviste et performer. Surnommé « l’homme invisible » Il est célèbre pour ses photographies de lui-même dissimulé dans divers environnements.

Avec ses images dans lesquelles il se fond, il aborde les problèmes sociaux qui accompagnent le développement économique rapide de la Chine.

Christian Boltanski

Christian BOLTANSKI (1944), artiste français, connu pour ses installations, ces thèmes omniprésents sont la mémoire, l’inconscient, l’enfance et la mort. Une de ses particularités est de reconstituer des instants de vie avec des objets.

L’installation « les archives » (1965-1988) recèle les souvenirs des activités quotidiennes de l’artiste. Tous ses objets sont les dépositaires d’un souvenir qui leur procure un fort pouvoir émotionnel afin de transporter le regardeur dans un espace de méditation, voire de recueillement.

Sandro Botticelli

Sandro BOTTICELLI(1445-1510), peintre italien, auteur des fresques de la Chapelle Sixtine, il est l’un des artistes les plus importants de la Renaissance et de l’histoire de l’art.

Il avait une prédilection pour les portraits en particulier féminins, de son époque ou tirés de la mythologie gréco-romaine, comme dans la naissance de Vénus. Certains de ses nus seront brulés au bûcher des vanités pendant la dictature théocratique.

Alexander Calder

Alexander CALDER (1898-1976), sculpteur et peinte américain, ingénieur en mécanique de formation, il est surtout connu pour ses mobiles (ainsi nommés par Marcel Duchamp). Il invente le concept de "sculpture en mouvement".

Il met au point les mécanismes les plus astucieux pour animer ses créations, tantôt régis par des principes de physique de mise en tension s’animant au toucher ou par courants d’air, tantôt avec des moteurs intégrés. Il participera à la première exposition entièrement cinétique dans l’histoire de l’art occidental en 1932 à Paris.

César

CESAR (César Baldaccini) (1921-1988), sculpteur français membre des nouveaux réalistes, créateur du trophée de la cérémonie du cinéma français. Utilisant des matériaux de récupération, il centre son travail sur la technique de « compression dirigée » qui devient sa marque de fabrique.

Il créa le scandale en 1960, avec un défi envers le société de consommation en présentant « trois tonnes » constituée de trois voitures compressées à l’aide d’une presse hydraulique, plusieurs autres voitures connaîtront le même sort dont une voiture neuve offerte par la Vicomtesse de Noailles une de ces mécènes.

Christo et Jeanne-Claude

Christo et Jeanne-Claude (1935 et 1935-2009), duo d’artistes respectivement bulgare et française connus pour leurs empaquetages d’objets (téléphones, moto, jerrican…) et leurs œuvres éphémères d’emballage de monuments.

Ils ont notamment emballé le Pont neuf à Paris (1985), le Reichstag à Berlin (1995) ou créé « the floating Piers » pour laquelle ils produisent une plateforme flottante de 100 000m2 reliant le village de Sulzano à l’ile de Monte Isola en Italie, En 2020, Christo va emballer l’Arc de Triomphe à Paris, ce projet conçu avec Jeanne-Claude a été commencé en 1962.

Lucio Fontana

Lucio FONTANA (1899-1968), sculpteur et peintre italo-argentin, fondateur du mouvement spatialiste, il est surtout connu pour ses toiles monochromes appelées « Concetto Spaziale » qu’il lacère ou perfore laissant des marques de trous béants. Il influença de nombreux artistes abstraits dont le groupe ZERO.

Il reçoit le grand prix de peinture à la biennale de Venise de 1966, la même année le MoMA lui organise une exposition. Ces fentes les « tagli » ont beaucoup fait parlé en raison de leurs connotations sexuelles évidentes pour certains.

Damien Hirst

Damien HIRST (1965), artiste britannique qui réalise des installations dans lesquelles il traite du rapport entre l’art, la vie et la mort. « Pour que l’art soit plus réel que la peinture… », à partir de 1991, il travaille sur une série constitué de cadavres d’animaux.

Dans « For the Love of God » (2007), il réalise une réplique en platine du crane d’un homme décédé au XVIIIème siècle et incrusté de 8601 diamants. Avec un coût de 14 millions de livres, il s’agit de l’œuvre dont la production est la plus chère de l’histoire de l’art. En 2007, Damien Hirst la cède pour 100 millions de dollars, tout en conservant une part de la propriété.

Yves Klein

Yves KLEIN (1928-1962), artiste plasticien français, très connu pour son bleu qu’il appliquera sur de nombreuses œuvres. Il révèle une conception nouvelle de la fonction d’artiste, car selon lui la beauté existe déjà, la tâche consiste à la saisir.

« Anthropométrie » (terme inventé par Pierre Restany) pour nommer ce que Klein désignait comme « la technique des pinceaux vivants », car elles sont le résultat de performances réalisées en public avec des modèles dont les corps enduits de peinture viennent s’appliquer sur le support pictural.

Jeff Koons

Jeff KOONS (1955) artiste Américain, son art est considéré comme le point de rencontre entre plusieurs concepts: les ready-mades, les objets du quotidien démesurés, l’appropriation, l’artisanat d’art et l’imagerie populaire.

Il s’approprie des objets et essaie de comprendre « pourquoi et comment les produits de consommation peuvent être glorifiés, comme dans « Giant Easter Eggs » issue de « Celebration Series ».

Joseph Kosuth

Joseph KOSUTH (1945) Artiste Américain, figure majeure de l’Art Conceptuel. Il est aussi l’un des principaux théoriciens de ce mouvement. Auteur de « l’art après la philosophie », qui a marqué la théorie de l’art contemporain, il est nommé Chevalier des Arts et Lettres par le gouvernement Français en 1973.

Dans « one and three chairs », il reprend le ready-made là où Duchamp l’a laissé, il met en scène un objet choisi pour sa banalité, qu’il enferme dans une démarche tautologique. Ainsi l’objet présenté entre sa reproduction photographique et sa définition, perd, parmi ses doubles, le formalisme qui était encore le sien. Ainsi ces trois éléments réunis parviennent à représenter un notion intangible: un concept.

Kasimir Malevitch

Kasimir MALEVITCH (1878-1935), artiste Russe, peintre, dessinateur, sculpteur et théoricien. Il est le créateur du « suprématisme ».

Maniant des formes simples à caractère géométrique et unicolores disposées sur la toile ou érigées dans le réel, le suprématisme montre le caractère infini de l’espace, et la relation d’attraction et de rejets des formes. Le « Carré blanc sur fond blanc » est considéré comme le premier monochrome de la peinture contemporaine.

Daido Moriyama

Daido MORIYAMA (1938), grand maître de la photographie japonaise, il a exploité toutes les formes du médium photographique et a contribué à redéfinir la pratique de la photographie de rue. Il est exposé au MoMA en 1974. Il conçoit également des évènements participatifs et des installations totales dans le souci d’adapter son langage à un lieu ou une temporalité.

Son travail a été décrit comme are, bure, boke: granuleuse, floue et bougée, il est notamment connu pour ses gros plans de nus féminins portant des bas résille.

Michelangelo Pistoletto

Michelangelo PISTOLETTO (1933), artiste peinte et sculpteur Italien, considéré comme l’un des fondateurs de l’Arte Povera. Il reçoit en 2003 le Lion d’or de la Biennale de Venise qui célèbre l’ensemble de sa carrière.

Dans la « Venus aux chiffons », il associe deux choses à première vue sans relation de sens; il symbolise l’opposition dialectique ente le durable et l’éphémère, passé et présent.

Mark Rothko

Mark ROTHKO (1903-1970), peintre Américain, classé parmi les représentants de l’expressionnisme abstrait, toutefois il réfutait cette catégorisation jugée « aliénante ». Très inspiré par Nietzsche, il se considérait comme un « faiseur de mythe » et proclamait « l ’expérience tragique ragaillardie… est pour moi la seule source d’art »

Il s’exprime dans ses toiles exclusivement par le moyen de la couleur qu’il pose sur la toile en aplats à bords indécis, en surfaces mouvantes, parfois monochromes et parfois composées de bandes diversement colorées. Il invente une nouvelle façon, méditative de peindre qui sera définie comme le Colorfield Painting, littéralement « peinture en champ de couleur ».

Robert Smithson

Robert SMITHSON (1938-1973) artiste américain, représentant majeur du mouvement Land Art dont il est considéré comme étant le théoricien. Au cœur de son travail, une réflexion sur l’urbanisation massive américaine, la dislocation et le décentrement.

Il a marqué l’histoire du Land art au travers de réalisations majeures dont « Spiral Jetty » (Great Salt lake, 1970), une spirale de 457 mètres de long et 4,5 de large constituée principalement de 6 550 tonnes de rochers de basalte dont le déplacement a été nécessaire pour la réalisation de cette œuvre.

Pierre Soulages

Pierre SOULAGES (1919), artiste peinte Français associé à l’art abstrait, il est l’un des principaux représentants de la peinture informelle.

Il est particulièrement connu pour son usage des reflets de la couleur noire, qu’il appelle « noir lumière » ou « outrenoir ». Une grande rétrospective sera organisée au musée du Louvre à Paris du 11 décembre 2019 au 9 mars 2020

Andy Warhol

Andy WARHOL (1928-1987), membre important du mouvement Pop Art, ses thèmes favoris sont l’image, la société de consommation, la société du spectacle.

« Marilyn Diptych » est une série réalisée à l’aide d’une photographie publicitaire du film Niagara avec Marilyn Monroe, cette œuvre rompt avec le culte de l’œuvre unique en créant des séries, ainsi il a voulu prouver que l’on pouvait faire de l’art un produit de consommation courant et jetable.

Ai Weiwei

Ai WEIWEI(1957), artiste et artiviste chinois, ayant fait de la prison en Chine pour ses prises de positions politiques. Grand admirateur de Marcel Duchamp, il réinterprète notamment le procédé du « ready made » dans un sens narratif et symbolique (ce que l’auteur de Fountain refusait).

Dans la performance « Dropping a Han Dynasty Urn » (1995), il laisse s’écraser un vase vieux de deux millénaires, en mémoire des ravages commis du temps de la révolution culturelle, et en laissant entendre qu’il se libère du passé, entrave à sa créativité et à sa farouche indépendance.